miércoles, 24 de diciembre de 2014

Concierto de Navidad de la Orquesta y Coro de la UAM


El pasado día 19 de Diciembre tuvo lugar el concierto de Navidad que ofrece la Orquesta y Coro de la Universidad Autónoma de Madrid. En mi caso asistí porque la universidad invita al CEIP Príncipe de Asturias, centro en el que estoy pasando el periodo de prácticas. He de reconocer que fue un concierto algo inusual debido al público y el comportamiento espontáneo que caracteriza a los niños. Además se dieron otras circunstancias que se salían del protocolo. 



Nada más llegar, nos reciben haciendo un pasillo los propios músicos. Van enseñando a los niños los instrumentos y comentando sobre ellos. El director de la orquesta les anima a interactuar con los niños.

Cuando ya todos estamos colocados, el director presentó a la orquesta y las piezas que se iban a interpretar. Sobre los instrumentos dice su nombre, la familia a la que pertenecen y el músico toca un pequeño fragmento para ver cómo suena el instrumento.

A continuación la orquesta afina. Normalmente el oboe es el encargado de dar la referencia con la nota LA, pero ese día no pudo asistir el músico que toca el oboe. En su lugar, utilizaron el teclado eléctrico.  

El director no saludó al concertino como se hace normalmente, pero sí que le presentó como tal. El director de esta orquesta conoce a todos sus componentes, les llama por su nombre y bromea con ellos. La buena relación entre ellos lleva a cantar el “cumpleaños feliz” a una componente del coro.

Observé que había un atril por cada dos músicos. No puedo decir el número exacto de instrumentos que había, pero hasta donde la vista me dio puedo decir que la Orquesta estaba compuesta por:

  • Cuerda frotada: 9 violines, 6 violas, 5 violonchelos, 2 contrabajos.
  • Viento madera: 2 flautas traveseras, 2 clarinetes, 1 fagot y 1 oboe ausente ese día.
  •  Viento metal: 3 trompas y 1 trompeta.
  • Percusión: timbales.
  • Electrófonos: teclado eléctrico.
También nos dábamos cuenta del lugar donde se sitúan en la orquesta: en un primer plano los instrumentos de cuerda frotada (violines más a la izquierda, violas, violonchelos y contrabajos a la derecha), a continuación a la izquierda los instrumentos de viento madera, y a la derecha los de viento metal. Los timbales, como estaba el coro al fondo, los situaron a la izquierda en última fila. El teclado eléctrico se situaba más o menos en el medio de toda la orquesta.



También estaba el coro formado por unas 40 personas. Se sitúa detrás de la orquesta, en primer lugar las mujeres y atrás del todo los hombres. En el coro encontramos a la izquierda las sopranos y los tenores, y a la derecha las contraltos y los bajos. También delante del coro se presentan 5 solistas: dos sopranos, una contralto, un tenor, y un bajo.

La actuación comienza con el Himno de la alegría de Beethoven, y le siguieron numerosas piezas de distintos compositores. También interpretaron algunos dúos los solitas. Terminan con nueve villancicos que todos conocemos, como Noche de Paz, Adeste Fideles, Mundo Feliz… Y el último Merry Christmas que participamos todos. Para finalizar tocaron el Himno universitario Gaudeamus igitur.

En un momento del concierto, el coro baja del escenario y rodea la sala mientras canta,  para asombro de todos los presentes. Además, entre pieza y pieza, el director comenta lo que va a pasar a continuación. Estos hechos hacen que este concierto se salga de lo que el profesor Tomás Hernández nos ha comentado que sucede en un concierto normal.

Los niños están muy atentos en todo momento y se portan muy bien. Debe ser cierto eso de que “la música amansa a las fieras”. Como hecho gracioso, sucedía que los niños aplaudían en cuanto había un silencio pensando que ya había terminado el fragmento. También comentaban que no entendían al coro cuando cantaban, que era como si no vocalizaran, hasta que les explicamos que estaban cantando en latín. 





Cantamos villancicos


Para la clase del día 12 de noviembre inventamos un villancico por grupos. Se trataba de coger un villancico ya hecho y cambiarle la letra, dándole nuestro toque personal. También teníamos la opción de elegir una canción cualquiera y ponerla una letra de manera que sonara navideña. 

Mi grupo, formado por Ana, Cris, Eva, Marian y yo, escogimos el villancico de "Ande, ande, ande, la marimorena" y le cambiamos la letra, quedando de lasiguiente manera:

Los alumnos de tercero,
hemos trabajado mucho,
y ahora nos vamos al cole,
a enseñar lo que sabemos.

Hemos aprendido juegos,
Y también ciencias sociales,
hasta hemos hecho excursiones
con el de experimentales.

Canta, ríe y bebe
se acabó el semestre
y ahora lo que toca
es salir de juernes.
Échate unos bailes, tomate un anís
y te deseamos que seas muy feliz.

Después de las navidades,
volveremos a las clases,
para seguir aprendiendo
y seguir con los compases.

Volveremos a encontrarnos,
con todos los compañeros,
Pero montando una party
porque somos muy fiesteros.

Canta, ríe y bebe
que hemos terminado
y ahora lo que toca
es hacer el vago.
échate la siesta, ponte a descansar,
toma el tiempo libre y no pienses más.


Tras escuchar las interpretaciones de todos los compañeros, llegamos a la conclusión de que una actuación que los niños interpreten para un público (por ejemplo en el festival de Navidad) debe reunir las siguientes características: 
  • Utilizar ritmos fáciles y pegadizos.
  • Participación del público.
  • Vocalizar e ir despacio para que se entienda.
  • Respetar a los demás y no ensayar mientras otros actúan.












miércoles, 3 de diciembre de 2014

EL TIEMPO ES ORO


En la clase del día 5 de noviembre profundizamos acerca del tempo y su aplicación no solo en la música, sino también en nuestra vida cotidiana. Nuestra sociedad vive acelerada, a una gran velocidad, con prisa, y en ocasiones nos perdemos cantidad de cosas bonitas que nos suceden y no sabemos apreciar.

Entramos en materia…

El tempo

El tempo hace referencia  a la velocidad con que debe ejecutarse una pieza musical.

A la hora de hablar de tempo en plural decimos tempi o los tempi, y no tempos*, que es incorrecto.

Hasta Beethoven no encontramos en las partituras indicadores de la velocidad. Se debe a que anteriormente los compositores eran quienes tocaban su propia música, y por lo tanto conocían la velocidad de la obra. Sin embargo, Beethoven fue de los primeros que empezó a vender su música, y debido a ello comenzó a indicar la velocidad en cada pieza, evitando así la libre interpretación. 


Entonces, si encontramos alguna partitura anterior a Beethoven en la que aparezca indicado el tempo, es una versión, interpretación o adaptación de la obra original.

Llamamos edición urtext a una partitura de una obra de música clásica impresa con errores del autor. Su finalidad es reproducir la intención original del compositor lo más exactamente posible, sin ningún material añadido o modificado.


Por otro lado, podemos afirmar que el tempo es relativo: lo que para unos es rápido, para otros es lento. Esta conclusión se aprecia sobre todo a lo largo de la historia, es decir, lo que hoy en día lo consideramos lento, en su momento era rápido. De este modo, podemos decir que el tempo y la velocidad son muy subjetivos para la música, pues cada obra es rápida o lenta según se interprete. 

Para comprobar su relatividad, hicimos la práctica de calcular un minuto sin mirar el reloj. Nadie lo acertó de manera exacta, tan solo algunos se aproximaron. Además algunos con mucha diferencia de tiempo, levantaron la mano muy pronto y otros demasiado tarde. 

¿Cómo marcamos el tempo?

En las partituras el tempo se suele representar al inicio de la pieza encima del pentagrama. Se indica en las partituras mediante palabras en italiano. Estas son, empezando por las más lentas y terminando por las rápidas:

Largo
Larguetto
Adagio
Andante
Moderato
Allegro
Presto
Pretissimo


Se le puede añadir una segunda palabra que indica el carácter, aumentando o disminuyendo al velocidad, aunque lo importante es la primera palabra. Por jemplo: moderato graziosso, allegro yocosso. 



El metrónomo.

La invención del metrónomo en el siglo XIX aportó mayor precisión y dio lugar a las indicaciones metronómicas,  con el objetivo de facilitar que una misma pieza se toque siempre con igual velocidad. Se trata de una referencia acústica y/o visual que marca el tempo de la melodía o composición. 




El metrónomo consta de una caja de madera o de plástico y de una varilla metálica que porta una pesa que puede desplazarse a lo largo de la misma. La varilla se comporta como un péndulo invertido de frecuencia ajustable con la pesa. Cuando la pesa se sitúa cerca de la base, los tiempos son más cortos, mientras que al alejarla de la base el péndulo se mueve más despacio. En la parte superior de la caja, detrás de la varilla, hay una escala numérica que permite fijar el número de oscilaciones por minuto. La escala abarca desde 40 a 208 oscilaciones o pulsos por minuto.



Si la indicación apunta que la negra es igual a 120 significa que la negra valdrá medio segundo. En el metrónomo, no obstante, encontramos también los términos italianos junto a las indicaciones numéricas.

Expresión italiana
Negras por minuto
Larguetto
48-51
Adagio
52-54
Andante
55-65
Moderato
70-95
Allegro
113-120
Presto
141-175
Pretissimo
176-208

  •   Metrónomo mecánico, el metrónomo original.
  •  Metrónomo electrónico digital, el metrónomo más usado actualmente.
  • Metrónomo de software, el metrónomo que podemos descargar y poner en funcionamiento en nuestro ordenador. Por ejemplo el virtual DJ.
  • Metrónomo online o virtual, metrónomo alojado en un servidor de internet que funciona online. 

En la música occidental actual se suele indicar en pulsaciones por minuto (ppm), expresado más a menudo como bpm de la expresión ​​beats per minute en inglés. Esto significa que una figura determinada se establece como pulso y la indicación significa que debe ser ejecutado un determinado número de pulsos por minuto. Cuanto mayor es el tempo, mayor es el número de pulsos por minuto que se deben tocar y por tanto más rápidamente debe interpretarse la pieza. En función del tempo una misma obra musical tiene una duración más o menos larga. 

En esta escena de la película El violín rojo podemos ver el funcionamiento de un metrónomo, y además como sus indicaciones hacen más rápida o lenta la interpretación de una misma melodía. 


¿Cómo podemos saber el tempo de una canción?
Mediante un metrónomo virtual, como el virtual DJ; con la ayuda de un reloj con taquímetro o con una fórmula que halla las pulsaciones por minuto (bpm).


La música es uno de los pocos artes que tiene en cuenta el tiempo, interactuando con él constantemente. En las orquestas se suelen combinar piezas lentas con rápidas, para establecer un equilibrio.

Podemos decir que la velocidad de la música nos afecta al ritmo de nuestra vida. Nos ayuda a  relajarnos o a acelerarnos. Por ejemplo, cuando estamos algo tristes o melancólicos solemos escuchar música más lenta que cuando estamos alegres. También para relajarnos después de un duro día de trabajo preferimos escuchar música lenta, y cuando estamos en una discoteca con música muy rápida nos aceleramos. 



miércoles, 5 de noviembre de 2014

Si sabes hablar, sabes cantar. si sabes andar, sabes bailar.

En la clase del día 29 de octubre de 2014 aprendimos acerca de las retahílas. En un principio comentamos las características y pusimos ejemplos. A continuación estuvimos cantando entre todos: mientras el profesor tocaba con el piano al ritmo del famoso anuncio de “Natillas Danone”, nosotros cantábamos lo que comenzó como una retahíla. Tras esto, estuvimos practicando por grupos con el xilófono. Finalmente aprendimos qué es, para qué y cómo se utiliza un diapasón.


Retahíla.

En el diccionario se define como: serie de muchas cosas que están, suceden o se mencionan por su orden. 

La retahíla también es un juego de palabras típicamente infantil que beneficia la fluidez verbal, la atención y la memoria. Con las repeticiones, la armonía y las rimas, se logra entretener a los niños que inconscientemente practican el lenguaje.

Características:
  • No se cantan (si se canta ya es una canción).
  •  Pueden o no tener rima. Por ejemplo cuando decimos de carrerilla la tabla del 2.
  • Tienen cierto ritmo. Como nos hemos aprendido las preposiciones (a, ante, bajo, cabe, con, contra...)
  • Se recitan. Por ejemplo al rezar. También las adivinanzas o los trabalenguas.


Dama con pendiente 
que toca deprisa     
para que la gente    
no pierda la misa.    

El perro de San Roque
no tiene rabo,
porque Ramón Ramírez
se lo ha cortado. 





Las retahílas se utilizan en el aula principalmente para seguir rutinas: quitarse el abrigo, hacer fila para salir al recreo… Las hay de muchos tipos: para echar a suertes, para contar una historia, para las adivinanzas, para contestar…

Pinto, pinto, gorgorito,

saca la mano de 25.
¿En qué lugar? En Portugal.
¿En qué calleja? En la mora vieja.
Esconde la mano que viene la vieja.

Por mí y por todos mis compañeros
Y por mí primero.
En la casa de Pinocho
todos cuentan hasta ocho:
una, dos,...siete y ocho.

Papá, mamá,
Pepito me quiere pegar.
¿Por qué?
Por ná.
Por algo será.
Por un pepino,
por un tomate,
por una onza de chocolate.








Sana, sana
anca de rana;
si no se te cura hoy
se te curará mañana.












Como vemos, hay muchas retahílas ya hechas y famosas que conocemos, pero también podemos inventarlas. Es sencillo, basta con seleccionar cuatro palabras y combinarlas con ritmos sencillos.



Diapasón

Se trata de un objeto de metal que consta de dos varillas en forma de U, unidas como si fuera una horquilla.




Se utiliza principalmente como referencia para afinación de instrumentos musicales, pues da la pauta que siguen todos los demás. Siempre da la nota LA.  Se trata de comparar los tonos de su instrumento con este sonido La que emite el diapasón.

 Para usarlo se golpea suavemente o se pellizcan las dos ramas de la U, de manera que comience a vibrar. Es necesario un elemento de amplificación, para lo cual la parte que no vibra se apoya en la caja de resonancia de algún instrumento o en cualquier superficie rígida.  Aunque también podemos acercárnoslo al oído. Una forma de amplificarlo es colocándolo sobre la cabeza y así sentir las vibraciones, o también realizar un circuito con diferentes partes del cuerpo que terminen en el oído.


jueves, 30 de octubre de 2014

Tocamos el piano y...bailamos.

La clase del día 15 de octubre de 2014 tuvo dos partes: en la primera aprendimos lo básico para saber tocar el piano, y en la segunda parte estuvimos bailando swing, primero todos juntos y después por parejas que iban rotando. 



PARA EMPEZAR…

España es de los pocos países donde conocemos las notas musicales por sílabas. En el resto de países se reconocen con letras. La correspondencia sería:
A
B
C
D
E
F
G
LA
SI
DO
RE
MI
FA
SOL


¿CÓMO TOCAR EL PIANO?

En un piano la  tecla blanca del medio siempre es un DO (DO central). Pero no solo hay un DO en todo el teclado, sino que hay varios, al igual que el resto de notas de la escala musical. La nota DO la encontramos siempre delante de dos teclas negras, y le sucede el resto de la escala: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Esto se repite sucesivas veces, según lo grande que sea el teclado. 


Cuando encontramos una partitura de piano, vemos que hay varios pentagramas: unos en clave de SOL y otros en clave de FA.  La clave de FA se utiliza para escribir las notas graves ya que utilizando únicamente la clave de SOL tendríamos que escribir muchas líneas adicionales. Observaremos que las notas en clave de FA quedan por debajo del DO central del pentagrama, y las escritas en clave de SOL por encima de este.  


Partiendo del DO central que hemos mencionado antes, dividiremos el teclado en dos partes: la izquierda y la derecha. Los sonidos de la izquierda son más graves que los de la derecha, más agudos. De esta manera, las notas escritas en el pentagrama con clave de FA se tocan con la mano izquierda, y las que están escritas con clave de SOL con la derecha. 


Ahora vamos a explicar el uso y significado de las teclas negras del piano. Para ello primero debemos conocer el significado estos símbolos. 

El sostenido # significa que se suma medio tono a la nota que acompaña este símbolo. Se tocaría la tecla que está a la derecha de la nota sostenida. Por ejemplo: #FA, la tecla que deberemos tocar no es FA sino la que está justo a su derecha (en éste caso es una tecla negra).

El bemolbaja medio tono a la nota que acompaña. Se tocaría la tecla que está a la izquierda de la nota sostenida. Por ejemplo: MI, la tecla que deberemos tocar no es MI sino la que está justo a su izquierda (en éste caso es también una nota negra).

Pero ¿qué pasa si la nota es #MI? Si buscamos la tecla que hay justamente a la derecha de MI veremos que es una blanca (no hay tecla negra). Esa es la que deberíamos tocar (es decir la nota FA). Por lo tanto vemos que la nota Fa también la podíamos llamar MI sostenido y que a la nota Do también la podríamos llamar SI sostenido.

Lo mismo ocurre con el bemol. ¿Qué pasa por ejemplo si la nota es FA? La tecla que hay justamente a la izquierda de FA es blanca. Esa es la que deberíamos tocar (es decir la nota MI). Por lo tanto vemos que la nota MI también la podíamos llamar FA bemol y que a la nota SI también la podríamos llamar Do bemol.

Esto ocurre porque solo hay una distancia de medio tono entre MI y FA, y entre SI y DO. Entre las demás notas hay un tono de distancia.

A continuación dejo un link de un juego para tocar el piano con el que se puede practicar lo aprendido. 


Estas indicaciones para tocar el piano nos sirven también para tocar el xilófono o el metalófono, pues ambos se componen de un teclado en las que las notas se dan de manera sucesiva. Es importante aprender estas nociones ya que, junto a la flauta dulce, serán los instrumentos que con más frecuencia nos encontraremos en el aula de música de la escuela en la que seamos maestros. 


viernes, 24 de octubre de 2014

La orquesta.

En la clase del día 8 de octubre de 2014 aprendimos acerca de los instrumentos que componen la orquesta sinfónica  y su colocación en ésta.


Los instrumentos se clasifican según QUÉ suena y CÓMO suenan:
QUÉ SUENA
CÓMO SUENA
VIENTO
MADERA
Flauta, clarinete, oboe y fagot.
METAL
Trompeta, trompa, trombón y tuba.
CUERDA
FROTADA
Violín, viola, violonchelo y contrabajo.
PERCUTIDA
Piano.
PULSADA
Arpa y guitarra.
PERCUSIÓN
AFINADOS
Láminas: lira, xilófono, vibráfono, marimba…
Parches: timbales.

NO AFINADOS
Gong, pandereta, castañuelas, zambomba, claves, güiro…
PEQUEÑA PERCUSIÓN
Cualquier cachivache que haga sonido.


Hay algunos instrumentos sobre los que podemos tener dudas a la hora de clasificarlos en algún grupo.  Por ejemplo el órgano, que en un principio nos puede parece percusión pero en realidad es de viento, pues se basa en más de mil de tubos por los que pasa el aire. Otro instrumento es la flauta que, aunque actualmente es de metal, se encasilla con los instrumentos de viento madera, porque antiguamente estaba hecha de este material. El saxofón también nos genera dudas, pues apreciamos el material metálico que lo compone, pero lo que le hace sonar es una barita de madera de su interior. Por este motivo lo clasificamos como instrumento de viento madera, aunque también es correcto decir que es un híbrido.

Otra forma de clasificar los instrumentos es la siguiente:
Ø  Idiófonos y membranófonos(percusión).
Ø  Cordófonos (cuerda).
Ø  Aerófonos (viento).
Ø  Electrófonos (los instrumentos que requieren de la corriente eléctrica): guitarra eléctrica, teclado eléctrico…

¿DÓNDE suenan los instrumentos en la orquesta sinfónica?

El criterio seguido para situar los instrumentos en la orquesta se basa en la altura sonora que caracteriza a cada uno de ellos. De esta manera, los más agudos los encontraremos a la izquierda y los más graves a la derecha.



En un primer plano encontramos los instrumentos de cuerda frotada: a la izquierda del todo el más agudo, que es el violín, a continuación la viola, el violonchelo y, por último, detrás de los violonchelos, el más grave que es el contrabajo.  Observamos que se distinguen dos tipos de violines: violín 1 y violín 2. El instrumento es el mismo, lo que cambia es la melodía que interpretan. 



En el siguiente plano, encontramos a la izquierda el resto de instrumentos de cuerda: por ejemplo el arpa y la guitarra (cuerda pulsada), el piano (cuerda percutida).  



En este plano encontramos los primeros instrumentos de viento, concretamente los de madera: flauta, clarinete, oboe y fagot. En la siguiente fila se sitúan los de viento metal: trompeta, trompa, trombón y tuba.











Por último, encontramos los instrumentos de percusión. La mayoría de las veces aparecen solo los timbales. En caso de que haya más se colocan a sus lados, como por ejemplo el xilófono, la marimba, los platillos, el triángulo... 



En el caso de añadir otro instrumento a la orquesta, este se sitúa con los de su familia. Por ejemplo, si queremos introducir un saxofón  o una gaita los situaremos con los de viento madera.  Pero si el objetivo es que acompañen a la orquesta (solo de gaita, solo de piano…) se sitúan a los lados  del director, que se encuentra en el centro, delante del todo.

Los instrumentos mencionados hasta ahora son los más comunes en una orquesta sinfónica, de los cuales algunos como el violín son imprescindibles. Al igual que hay otros adicionales como el flautín, la flauta travesera, el corno inglés o el contrafagot. 
Corno inglés


Contrafagot

Otra cuestión a tener en cuenta es la cantidad de instrumentos de cada tipo. Para saber cuántos hay basta con contar el número de atriles, ya que hay uno por cada dos instrumentos. El número de cada instrumento va proporcionado en cuanto a su altura. Por ejemplo, por cada contrabajo hay cinco violines. Estas son las proporciones que se siguen normalmente:
Ø  Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones.
Ø   Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba.
Ø   Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja.
Ø   Cuerdas: 40 violines, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.

En ocasiones, podemos encontrar una orquesta que requiere de la actuación de un coro, el cual se coloca al final del todo, en último plano. Dentro de este coro también hay un orden de voces: primero las mujeres, a la izquierda las soprano y a la derecha contralto; y después los hombres, tenores a la izquierda y bajos a la derecha. En el caso de que se trate de un solista, éste se colocará al lado del director.  


El director también juega un papel importante en la orquesta, ya que mantiene el tiempo de la pieza musical, da las entradas de los instrumentos e interpreta la obra en su sentido original, pero le da un toque personal. 



AFINACIÓN DE LA ORQUESTA
En la orquesta se cumple una especie de protocolo, es decir, cada miembro no puede actuar como quiere, sino que hay que seguir unas indicaciones.

El director no habla con cada miembro de la orquesta, para eso está el concertino, el músico que toca el violín situado más cercano al director (sección de violines primeros). Éste tiene una misión intermediaria y representativa para el resto de miembros de la orquesta.  

Encontramos un caso excepcional en el cual se incumple esta regla. Se trata del concierto de Año Nuevo 2014 de la Orquesta Filarmónica de Viena,  en el que el director Daniel Baremboin saluda uno a uno a los músicos mientras estos continúan tocando.


La afinación comienza cuando el concertino se pone en pie. El primer oboe toca un La, por el cual el concertino afina su segunda cuerda.  Es el oboe el encargado de dar el tono porque es el instrumento que técnicamente es más capaz de dar un sonido absolutamente estable. 

A continuación el concertino va repartiendo su La al resto de instrumentos de cuerda. Después el oboe toca otra vez La para los instrumentos de viento madera, luego metal y finalmente percusión.

Dejo un link para ver Ensayo de Orquesta, una película de Federico Fellini en la que queda reflejada la necesidad de la figura del director para ser verdaderamente una orquesta.

Finalmente, por recomendación del profesor Tomás Hernández, dejo el trailer de la película El violín Rojo. En ella podemos entender la  transcendencia que puede tener un instrumento musical para las personas que viven de ello.